Galerie Funke

Die Galerie Funke eröffnet am 1. Oktober 2010 um 18 Uhr ihre neuen Räume in Kreuzberg mit der ersten Einzelausstellung von Desiree Palmen in Berlin und in Deutschland. Die 1963 in den Niederlanden geborene Künstlerin studierte Bildhauerei an der Hochschule für Bildende Kunst in Maastricht und lebt in Rotterdam und in Berlin. Ihre aktuellen Arbeiten umfassen die Medien Fotografie, Video, Malerei, Zeichnung sowie Performance. Desiree Palmen nahm an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen in Spanien, Israel, den USA, Österreich, Belgien und Deutschland teil. Ihre Werke waren in Soloausstellungen u. a. in Venedig, Wien, Amsterdam und Rotterdam zu sehen.

Die Galerie Funke zeigt eine Auswahl von Palmens Werken aus den vergangenen zehn Jahren. Dazu zählen die Zeitungsübermalungen aus der Serie DAILY UNIFORM von 2003/04 sowie Fotografien und eine Videoarbeit aus dem während eines Aufenthalts als Artist in Residence 2006 in Jerusalem entstandenen Projekt OLD CITY SUIT.

In Desiree Palmens Kunst steht das Thema der Camouflage im Zentrum, angeregt durch ihre Auseinandersetzung mit den aus der Biologie bekannten Phänomenen der Mimikry, der Anpassung und der Tarnung in der Tier- und Pflanzenwelt.

Nach den Terroranschlägen vom 11. September 2001 und den daraus resultierenden Kriegen in Afghanistan und Irak beobachtet Palmen die zunehmende Präsenz militärischer Einsätze und von Soldaten in den Medien. Sie wählt Fotografien alltäglicher Situationen – Menschen beim Einkauf im Supermarkt oder bei der Arbeit, Kinder vor dem Fernsehen oder einen Schneemann bauend – aus Zeitungen, übermalt die darauf abgebildeten Szenen und Personen zunächst weiß und verpasst ihnen dann Soldaten-Uniformen mit Camouflage-Mustern. Die Untertitel der Fotografien verändert sie nicht. Es entsteht eine absurde, ins comicartige gesteigerte Diskrepanz und eine finstere Ironie zwischen Text- und neuer Bildaussage: Der Krieg und seine Insignien scheinen überall und allgegenwärtig zu sein. Die Individualität verliert sich aufgrund der Uniformierung, die in ihrer unterschiedlichen Camouflage-Musterung auf den jeweiligen Blättern wiederum einen modischen Charakter gewinnt.

Als die Regierung 2001 in Rotterdam bestimmte Straßenzüge als gefährlich deklariert und dort polizeiliche Überwachungskameras installiert, entsteht Palmens Serie „Streetwise“. Sie fertigt Tarnanzüge in exakt den Farben und Musterungen der von den Kameras anvisierten Orte – eine Bushaltestelle, Ampel oder ein Zebrastreifen – an. Wie eine Modedesignerin entwirft und bemalt Palmen die Anzüge für jede Serie ihrer Fotografien und die jeweiligen örtlichen Gegebenheiten neu.

Die Fotografien zeigen die Künstlerin oder ein Model, die sich durch das Tragen des Anzugs vor dem Hintergrund ihres Umfeldes kaum noch abheben oder von ihm unterscheidbar sind. Figur, Tarnanzug und Umgebung verschmelzen miteinander.

Die gleiche Strategie des ‚Street Surveillance Camera Projects’ verfolgt Palmen in der Fotografie-Serie „Old City Suit“ von 2006/07. Die Altstadt von Jerusalem befindet sich unter ständiger Kontrolle durch Touristen- oder Überwachungskameras. Für ihre Fotografien entschied sich Palmen für Orte in den Gassen sowohl des arabischen als auch des christlichen Viertels. Wiederum macht ein der Straßenpflasterung farblich und strukturell angepasster Tarnanzug die im Bild stehende Figur für die am Bildrand sichtbaren Kameras und für den Betrachter der Werke beinahe unkenntlich.

Einerseits dient die Camouflage der Tarnanzüge dem Schutz der Trägerin oder des Trägers vor dem identifizierenden Blick der Überwachung und dem Zugriff der Kontrolle. Andererseits – und darin liegt die paradoxe Spannung der Arbeiten Palmens – verzerrt die doch wahrnehmbare 3-Dimensionalität und körperliche Präsenz des Models im Tarnanzug die Perspektive ebener Flächen, so dass der Betrachter bei genauer Beobachtung die Camouflage enttarnen kann.

Die aus dem Blickwinkel der Überwachungskamera aufgenommene Videoarbeit „Old City Suit“ betont die Nähe zur Skulptur sowie den performativen und spielerischen Aspekt von Desiree Palmens Kunst. Das Model steht unbeweglich inmitten der Straße während Passanten vorbeikommen und ein Junge versucht, die reglose Figur durch Mimik und Interaktion zu beleben. Erst die Durchfahrt eines Fahrzeugs zwingt sie zur Aufgabe ihrer statuarischen Position – und damit zur Preisgabe ihrer Tarnung: Durch eine kleine Bewegung, einen Schritt zur Seite, wird die Camouflage entlarvt und verliert ihren täuschenden Charakter für den Beobachter. Dennoch ist sie auf diese Weise erst deutlich wahrnehmbar.

„Die Camouflage ist wirksam, weil sie die Aufmerksamkeit der Leute auf sich zieht"¹, so verweist die Künstlerin auf diesen Widerspruch. Neben einer Kritik an den inzwischen unzähligen Möglichkeiten der Überwachung sowie dem Wunsch nach Schutz vor einer andauernden Beobachtung geht es Palmen um gesellschaftliche Zwänge und deren Kontrollmechanismen: „Kleidung bietet [...] auch Schutz im psychologischen und sozialen Sinne. Durch das Tragen bestimmter Kleidung gehört man immer auch einer bestimmten Gruppe von Menschen an und genießt durch die Zugehörigkeit die Obhut dieser Gruppe. Man schirmt sich damit auch gegen allzu eindringliche Blicke ab, die einem begegnen, wenn man von der äußeren Norm abweicht.“² In einer Situation, die von Anpassungsdruck, der Furcht vor Beobachtung, Erfassung und Verfolgung, der Angst vor Vorurteilen und Ausgrenzung gekennzeichnet ist, eröffnet das Konzept der Camouflage als Strategie des Verschwindens einen Freiraum für Identität und Selbstbestimmung.

¹ Desiree Palmen, in: Stradda, Nr. 16, April 2010, S. 38
² Desiree Palmen, in: Katalog Schnittraum ‚Out of Sight’, hg. Von Maria Anna Tappeiner, Köln 2002, o.S.

Mit SHADOW BOX stellt Marcelina Wellmer in der Galerie Funke eine neue Reihe fünf großformatiger Bilder ihrer auf den ersten Blick abstrakten Malerei aus. In den Werken ist Schwarz die vorherrschende Farbe, unterbrochen von grauen und gelben mitunter transparenten Flächen und dynamischen Diagonalen.

Den Ausgangspunkt der Arbeiten von Wellmer markieren jedoch immer reale Orte und Räume aus der unmittelbaren Umgebung der 1975 in Polen geborenen und seit 2006 in Berlin lebenden Künstlerin. „Meine Bilder knüpfen an die Wirklichkeit an“, sagt Wellmer im Hinblick auf die modernen Architekturen und Innenräume, die den Hintergrund ihrer Malerei bilden: „Es geht immer um einen Zustand, der eine Emotion erzeugt.“

Die in der Galerie Funke erstmals gezeigten SHADOW BOX-Bilder wurden auch inspiriert von Techno- und experimentellen Sounds, die die Künstlerin während der Herstellung hörte. Die rechteckigen Formen, Abstraktionen von Sicherungskästen, scheinen in SHADOW BOX 01 von innen zu leuchten, als seien sie Projektionsapparate. Sie verbinden klaustrophobische Enge mit der Energie von Strom und Licht.

SHADOW BOX 05, eine der Arbeiten in Wellmers erster Einzelausstellung in Deutschland, ist Teil einer interaktiven Sound Installation, die auf die Bewegung des Betrachters reagiert. Beim Eintreten in den Raum wird die statische, auf das Bild fallende Projektion zusammen mit computergenerierten, sich live und durch Zufall immer wieder neu erzeugenden elektronischen Klängen belebt. Neu in Wellmers Werk ist dabei die Verbindung visueller, kinetischer und akustischer Elemente, von Malerei, Licht und Musik.

Lärm, schrille Töne und Disharmonien vereint mit gelben, scharfkantig aggressiven Farblinien stehen symbolisch für eine Überreizung der Sinne durch die Vielfalt an Information. Die gestaffelten, sich überschneidenden und gebrochenen Perspektiven in Wellmers Arbeiten wecken einerseits kunstgeschichtliche Assoziationen an Werke der Klassischen Moderne: die kubistische Aufsplitterung und Mehransichtigkeit der Perspektive, energetische futuristische Bildkompositionen, die geometrische Bildsprache des Konstruktivismus, die durchscheinenden Farbauffächerungen in den Werken von Lyonel Feininger. Strukturell spiegelt Wellmers Kunst jedoch die Polyphonie unserer Wahrnehmung von Wirklichkeit und die Vielschichtigkeit des Erfassens von Raumansichten und Erlebtem wider. Deshalb schildert Wellmer, dass sie mit ihren Arbeiten versucht „in abstrakter Weise eine Wahrheit darzustellen.“

Licht, Klang und Bewegung sind in den Werken von Marcelina Wellmer ebenso wichtig wie die Farbe selbst. Schwarz, durchschnitten vom kalten Licht weiß-grüner Farben, die die Neonlampen im Atelier der Künstlerin reflektieren, dominiert auch Wellmers Bildreihe DARK LIGHT, die im Sommer dieses Jahres in der Ausstellung „Energetische Vorhersagen“ im Umweltbundesamt Berlin zu sehen war. Ergänzt wurde die Werkgruppe durch eine Videoarbeit, in der elektronische Klänge und Störgeräusche, produziert von Gösta Wellmer, ruhelos flackern wie eine Leuchtröhre. Schwarz in Kombination mit kühlen Grau- und Blautönen beherrscht ebenfalls die Bildserie BROKEN GLASS von 2009, einer Zeit, in der Wellmer nach zahlreichen Aktivitäten als VJ und Videokünstlerin zur Malerei zurückkehrte.

Claudia Funke, November 2010

Anlässlich der Ausstellung erscheint eine DVD zur Bild- und Klanginstallation SHADOW BOX,
erhältlich für 25,-- €.

Am Samstag, den 11. Dezember 2010, findet um 20:00 Uhr in der Galerie Funke ein Konzert des Berliner Elektronikmusikers Miwon in Kombination mit Video Art von Marcelina Wellmer statt.

„DURCHBLICK“ lautet der Titel der Ausstellung mit neuen Arbeiten von Barbara Rosengarth in der Galerie Funke. Rosengarths abstrakte Malerei und Zeichnungen begegnen den Betrachtern nicht konfrontativ oder in sich abgeschlossen, sondern stellen sich als Angebot, als Öffnung und Möglichkeit dar.

Die 1964 in Münster geborene und in Bremen lebende Künstlerin zeigt in ihrer ersten Einzelausstellung in Berlin Werke, deren Struktur vornehmlich aus horizontalen Streifen gebildet wird. Die geometrischen Linien verlaufen dabei oft schräg zueinander, verlassen das strenge Parallelgefüge und kippen – sich einander annähernd oder voneinander abweichend – leicht in die Diagonale. In einigen Bildern forciert eine vertikale Mittelachse, zu der die Farbstreifen spiegelbildlich verschoben oder versetzt erscheinen, die Reibung, Störung und Spannung. Durch diese Brüche widersetzt sich die Malerei Rosengarths der augenblicklichen, schnellen visuellen Erfassung. Das Zusammenspiel der Farben erhöht die komplexe Bildwirkung: Striche unterschiedlicher Farbintensität und Tonalität vermischen sich zu neuen, unvorhersehbaren Farbkonstellationen. Dabei kombiniert die Künstlerin kräftige, sich beißende Farben wie Signalrot und ein leuchtendes Pink-Violett.

Alle Werke Rosengarths tragen den Titel PLI und eine fortlaufende Werknummer. PLI leitet sich aus dem Lateinischen ab und bedeutet ‚Falte’. Ursprünglich befasste sich die Künstlerin mit der Darstellung von Stoffen, ihren Texturen und Faltungen, die Raumtiefe vortäuschen oder Licht und Schatten reflektieren. Mit fortschreitender Abstraktion des Ausgangsmotivs konzentriert sich Rosengarth auf Rauten-, Gitter- und Streifenmuster, deren Vertikalität im Verhältnis zu der Mittelsenkrechten, die noch entfernt an eine Falte erinnert, aus dem Lot geraten ist.

Während Rosengarth in den vergangenen Jahren fast ausschließlich das richtungsneutrale, quadratische Format für ihre Malerei und auch ihre Bleistiftzeichnungen nutzte, erweitert sie 2010 das Bildgeviert ins Querformat. Damit gibt sie die dem Quadrat innewohnende Geschlossenheit auf und legt eine Lesart nahe, die – im Zusammenhang mit der ebenfalls neu eingeführten horizontalen Bildstruktur – eine potentielle Weiterführung der Linien über die Bildgrenzen hinaus in den Raum hinein suggeriert.

Als Bildträger der Werke fungieren von der Künstlerin so bezeichnete Holzkörper, die der Malerei Objekt ähnlichen Charakter verleihen. Dieser Eindruck verstärkt sich durch die glatten Oberflächen, während die an den Seiten sichtbare rohe Leinwand wiederum auf die Bildlichkeit verweist.

Wichtig für die Wirkung von Rosengarths Arbeiten ist der Herstellungsprozess, den Frank Laukötter in einem Text als „Archäologie der Farbschichten“ beschreibt. Die Farbstreifen werden mit Klebeband und Lineal auf die mehrfach grundierten und glatt geschliffenen Leinwände in Lasuren aufgebracht, so dass Laukötter von den Werken als Exemplaren „der reinen Malerei, der peinture pure“ spricht.

Katerina Vatsella wiederum erkennt in Rosengarths Werken eine „minimalistische Tendenz“ – „konzeptuell-systematische Untersuchungen über Farbe und Raum“.

Rosengarths sowohl malerisches als auch zeichnerisches Œuvre eröffnet ein Spannungsfeld zwischen Linie und Fläche und damit zwischen der zweidimensionalen Bildebene und einer perspektivischen Tiefe. Das Auge des Betrachters bleibt bei dem irritierenden Wechselspiel von Form, Farbe und Licht, von geometrischer Strenge und ins diagonale verschobene Parallelen in Bewegung. Die Unabschließbarkeit des Sehprozesses enthält nicht nur einen zeitlichen Aspekt, sondern entgrenzt die Bildfläche ins Formlose, nicht rational zu Erfassende. Ihre Lebensnähe erhalten die Bilder dadurch, dass wir sie sehen, aber nicht wirklich verstehen können.

Damit kennzeichnet Rosengarths Kunst tatsächlich eine Nähe zur Minimal Art. Diese entstand auch als Reaktion auf die Theorien des amerikanischen Kunstkritikers Clement Greenberg, der die augenblickliche Erfassung eines Kunstwerkes als die Essenz des autonomen Kunstwerks der Moderne und des Abstrakten Expressionismus postulierte. Die Minimal Art hingegen band die Rezeption von Kunst wieder an den räumlichen Kontext und das zeitliche Moment, an den spezifischen Ort und den Körper des Betrachters. Obwohl sich Rosengarth in der konsequenten Entwicklung ihres Werks graduell bis zur völligen Abstraktion von ihrem Ausgangspunkt, den Faltungen und Drapierungen von Stoffen, entfernt hat, war es - von den Figuren des Westportals der Kathedrale von Reims im Mittelalter, über die Reliefs von Donatello in der Renaissance bis zum Barock - immer wieder die plastische Ausgestaltung der Gewänder, die den Anschein von Bewegung, Dynamik und Lebendigkeit vermittelte. Die Bilder von Barbara Rosengarth verzichten auf diesen Illusionismus und versetzen den Betrachter durch ihre Formen, Strukturen, Rhythmen und Farben direkt in das Kontinuum des Hier und Jetzt.

Claudia Funke, Dezember 2010

Berlin, 16. Februar – 12. März 2011

Galerie Funke, Willibald-Alexis-Str. 13/14, D-10965 Berlin

Öffnungszeiten der Ausstellung:
16. Februar–12. März 2011 / Mi–Fr 13–18 Uhr, Sa 12–15 Uhr, und nach Vereinbarung

Eröffnung:
Samstag, 12. Februar 2011, 19 Uhr

Eröffnungskonzert mit QUIO (live) um 19:30 Uhr
Eintritt frei

Finissage:
Samstag, 12. März 2011, 19 Uhr

QUIO ist MC und Sängerin, lebt und arbeitet in Berlin. In ihrer Musik mischt sie die Einflüsse von Pop, Hip Hop, Clicks’n’Cuts und Club-Musik. In ihren Rap-Texten setzt sie sich mit der Konstruktion kultureller und sexueller Identität auseinander, mischt Einflüsse afro-amerikanischen HipHop-Boastings mit Pop-Lyrik und Dancefloor-Dada.

Mehr Infos: www.quiolikeoooh.com

HERE’S A LITTLE STORY THAT MUST BE TOLD...
Christine Lang & Ina Wudtke

Die Ausstellung HERE’S A LITTLE STORY THAT MUST BE TOLD... zeigt Kunst, die auf den Kontext von Black Sound (Hip Hop, Jazz, Drum’n’Bass u.ä.) referiert. HERE’S A LITTLE STORY THAT MUST BE TOLD... ist ein altbekanntes Pattern, welches dem Rap im Hip Hop entliehen wurde und verweist auf orale Erzählstrukturen der afroatlantischen Diaspora und auf die weiblich konnotierte Tradition der „Oral History“.

Die beiden Künstlerinnen Christine Lang und Ina Wudtke sind neben ihren Tätigkeiten als Filmemacherin und Künstlerin seit Anfang der 90er Jahre DJs und haben ein gemeinsames, (weibliches) DJ/MC-Kollektiv mit (MC) QUIO, unter dem Namen: FEMMES WITH FATAL BREAKS, welches vor allem (aber nicht nur) Line-Ups mit weiblichen Breaks-, Dubstep- und Drum’n’Bass-DJs featured. Zur Eröffnung wird es ein Live-Konzert von QUIO geben.

Christine Lang zeigt in der Galerie Funke ihr neues Video Das Fachgespräch, in dem zwei DJs über ihren Beruf fachsimpeln. Die Fachfragen kreisen um die technischen und ästhetischen Bedingungen und Kriterien des Djings. Es geht zum Beispiel um den Unterschied zwischen dem Auflegen von Vinyl im Gegensatz zur Arbeit mit dem Computer. Inwiefern beeinflusst die Technik die Ästhetik? Die elektronischen Musikstile werden miteinander verglichen: Haben die auf dem Viervierteltakt basierenden, repetitiven Clubmusiken Techno und Elektro etwas mit dem Prinzip der filmischen Montage zu tun, während die melodiösen Bassmusiken wie Drum’n’Bass und Dubstep eher durch dramaturgische Charakteristika gekennzeichnet sind?

Weibliche Fachsimpelei, wenn sie nicht gerade die Thematik des allgemein Gesellschaftlichen und Sozialen berührt, ist medial kaum präsent. Einerseits bildet Das Fachgespräch eine Bühne für ein interessantes Expertinnengespräch zweier DJs mit über 15-jähriger Berufserfahrung – Acid Maria und Christine Lang –, auf der zweiten Ebene macht es die durch subversive Ausschließungsmechanismen bestimmten medialen Repräsentationsformen des Weiblichen offenbar und sichtbar.

Christine Lang präsentiert dazu ihre 2008 entstandene Arbeit Quio: Rising Tide, ein narratives Musikvideo, in dem die Geschlechterverhältnisse auf den Kopf gestellt werden.

Weitere Infos: www.christinelang.eu

Ina Wudtke stellt ihr aktuelles, in Berlin gedrehtes Video Parade in der Galerie Funke vor. Die Arbeit dokumentiert ihre Beteiligung als Künstlerin an einer Parade gegen die aggressive Gentrifizierung in den Berliner Stadtteilen Mitte und Prenzlauer Berg.

Während sie in dem Video in ihrer Rolle als DJ T-INA Darling eine Auswahl diverser Musikstücke über Wohnungsnöte und MieterInnenprobleme auflegt, verwandelt sie sich als Sängerin und MC in einen Immobilienbesitzer, der alte Häuser in Berlin aufkauft und die alteingesessenen Mieter vertreibt, um durch Luxussanierung und Neuvermietungen ein profitables Geschäft zu machen.

Das Musikstück The Law, das sie hier gemeinsam mit QUIO performt, ist eine poetische Reflexion über den Kampf zwischen Investoren und jungen KünstlerInnen (die hier durch QUIO repräsentiert werden). Das zentrale Thema der Performance ist die Vertreibung der Künstlerinnen und Kulturschaffenden aus den Innenstädten und Stadtzentren. Dies ist paradox, denn durch ihre Aktivitäten haben sie substantiell zu deren Aufwertung und damit dem steigenden Marktwert beigetragen.

Ina Wudtke nahm mit ihrer Berliner DJ/MC-Crew FEMMES WITH FATAL BREAKS, zu der auch Christine Lang gehört, an der Parade als imaginäre Immobilienfirma Diabolo & Garnischts teil und gestaltete den Wagen als Dachterrassen-Showroom. Alle Gemeinsamkeiten mit real existierenden Firmen sind natürlich rein zufällig!

In der Galerie Funke zeigt Ina Wudtke dazu eine Serie von Zeichnungen: The Fine Art of Living, die sich mit der Vertreibung von einkommensschwachen Haushalten aus den Innenstädten der Metropolen beschäftigt.

Weitere Infos: www.inawudtke.com

„überschreitungswahrscheinlichkeit“ nennt Katja Pudor ihre aktuelle Einzelausstellung in der Galerie Funke, Berlin. Pudors Malerei überschreitet die Begrenzung der zweidimensionalen Bildfläche und wächst, den Fußboden, die Wände und die Decke einnehmend, als Installation in den Raum hinein. Die Farbflächen und Pinselschwünge, Linien und vernetzten Strukturen überwinden die Bindung an einen statischen, starren Bildträger, indem sie als Ausschnitte und Einzelstücke variabel miteinander kombiniert und nur locker befestigt werden und sich nicht mit der Architektur zu einer Einheit verbinden. Das Material aus Papier, Acryl, Schellacktinte, Grafit, Kohle, Edding und Tapeband besteht aus Fragmenten, die die 1965 geborene und in Berlin lebende Künstlerin immer wieder neu anordnet und in anderen Kontexten wiederverwendet: Sie erstellt Collagen aus dem Fundus ihres eigenen Werkes.

Kennzeichnend für die Arbeitsweise von Pudor, die an der Hochschule Berlin Weißensee bei Katharina Grosse studierte, ist in ihren eigenen Worten die „Farblust“ und der spielerische Umgang mit dem eigenen künstlerischen Material, die Wiederverwendung der ‚Reste’, des ‚Übriggebliebenen’ von vorherigen Experimenten und Malvorgängen: „Das Materialische ist mir wichtig. Das Material ist für mich die Hauptsache“. Dazu zählen auch die Dichte der Pigmente, das Verwaschen der Farbe, herunterlaufende Farbspuren und – tropfen, die Dynamik und die Stärke der Striche.

Malerei und Zeichnung, Abstraktion, zuweilen Figuration und Schrift bilden komplexe Schichtungen in Richtung Dreidimensionalität und Räumlichkeit. Die übereinandergelagerten Verwebungen und Verflechtungen bleiben dabei flexibel und beweglich. Selbst dort, wo die Künstlerin zum Geviert der Leinwand oder des Zeichenblattes zurückkehrt, bleibt der Eindruck der „überschreitungswahrscheinlichkeit“, der mehrdimensionalen räumlichen Ebenen, die in sich veränderlich und wandelbar sind, erhalten.

Der Ausstellungstitel ist dem Bereich der Naturwissenschaften, der mathematischen Formeln, entliehen, anhand derer unter anderem die Statistik von Windstärken und Hochwässern errechnet wird. Im weiteren Sinne verweist er auf einen möglichen Exzess, auf das Potential eines Zuviel, das einen Scheitelpunkt überschreitet. Pudors künstlerischer Schritt in die Dreidimensionalität des Realraums und damit in die Lebenswirklichkeit der Betrachterinnen und Betrachter sensibilisiert hingegen die Wahrnehmung in die analytische Richtung: Die geballte Anhäufung und das Übereinanderlappen von Informationen, Bildschnipseln und Tonfragmenten führen zu einer Überflutung. Der Exzess des Überflusses und des Mehrwerts endet bisweilen in der Implosion des Weißen Rauschens und des Nichts.

In Pudors Werken und Rauminstallationen bleibt die gleichwertige, unhierarchische Anordnung der einzelnen Werkelemente in ihrer Unterschiedenheit und Differenzierung immer erkennbar. Die materialische Sinnlichkeit verführt zum Schauen, Entdecken, Erfahren. Die lose, modulartige, leicht auseinandermontierbare Anbringung der Papierstreifen, Blätter und Scherenschnitte deutet sichtbar auf das Verfahren von Montage und Demontage und die Strategie der Konstruktion und Dekonstruktion. „Meine Arbeit beinhaltet die Idee der Mobilität und der Veränderung durch Neuanordnung“, kommentiert die Künstlerin ihre Vorgehensweise, (Anne Fäser: Virtuelle Konstruktionen sinnlicher Malerei, in: Katja Pudor. Salon Berlin, Ausst.-Katalog Saarländisches Künstlerhaus, Saarbrücken 2010).

Die (soziale und künstlerische) Vernetzung und Mobilität sind auch Thema der Zusammenarbeit von Pudor mit anderen Künstlerinnen und Künstlern: 2006 war sie Mitinitiatorin des Berliner Ausstellungsraumes „Stedefreund“, den sie bis heute mitbetreibt und wo sie in Einzel- und Gruppenausstellungen vertreten ist. Zusammen mit Antonia Nordmann rief Pudor das Projekt „Bandprobe“ ins Leben, bei dem Künstler verschiedener Genres, auch aus dem Bereich der Musik und der Lichtkunst, für einen begrenzten Zeitraum in einem Ausstellungskontext ein gemeinsames Werk schaffen.

Katja Pudors vielschichtige Arbeiten wirken räumlich und ‚bespielen’ den Raum. In Anlehnung an die Ambient-Musik und Erik Saties „musique d’ameublement“ von 1920, werden Jens Nordmann & Ian Warner am 2. Februar 2012 um 19 Uhr im Rahmen der Ausstellung ein Konzert experimenteller Klangcollagen aufführen.

Claudia Funke, Dezember 2011

„A single dream is more powerful than a thousand realities“. Dieses Motto las Silke Koch auf der Website einer High School-Klasse in New Leipzig, North Dakota, USA. Es passt gleichfalls zu den neuen Werken, die die Künstlerin unter dem Titel ground control in ihrer Berliner Einzelausstellung in der Galerie Funke präsentiert.

Seit 2008 baut Koch Alltagsgegenstände und Haushaltsutensilien, die sie auf Flohmärkten findet, zu Variationen Raketenförmiger Objekte zusammen. Das Design der derart montierten Aschen- und Eierbecher, Vasen und Thermoskannen rührt aus den 60er und 70er Jahren. Für die 1964 in Leipzig geborene Künstlerin spiegelt das Design die Utopien der Zeit ihrer Jugend wider: „Es löst fantastische Träume aus, die in der DDR wegen der eingeschränkten Reisemöglichkeiten und Bewegungsfreiheit allenthalben am Küchentisch zu Hause ausgemalt wurden. Man träumte sich weg und erkundete fremde Welten.“ Die Mischung aus Ost- und Westdesign reflektiert unterschiedliche Utopievorstellungen im Sozialismus und Kapitalismus: Während der „negative“ Blick in die Zukunft, z. B. im Sinne eines Verteilungskampfes um Rohstoffe im Osten nicht existierte, stand hier das Bild des „neuen Menschen“ in der sozialistischen Gesellschaft im Vordergrund.

Koch nennt die Serie in Anlehnung an Thomas Pynchon „After Gravity’s Rainbow.“ Pynchons Roman gilt als Meilenstein der postmodernen Literatur und spielt – neben unzähligen Abschweifungen – zur Zeit des Zweiten Weltkriegs und der Nachkriegsjahre. Er greift die Erfindung der V2 Rakete durch die Nationalsozialisten auf und ihre spätere Weiterentwicklung in den USA und der Sowjetunion zum Zweck der Aufrüstung und der Eroberung des Weltalls. Die 60er und 70er Jahre waren geprägt von der Zeit des Kalten Krieges, des Wettrüstens, der atomaren ‚Abschreckung’, des Wettlaufs der Reise zum Mond und Fantasien über Lebensformen auf anderen Planeten.

Im Kontext ihrer Beschäftigung mit dem Thema Science-Fiction und Raumfahrt entstand mit “What’s Going to Happen?“ die von Koch bearbeitete, auf seine Essenz konzentrierte und nur auf wenige Minuten geschnittene Version des 1984 gedrehten Films „2010: Das Jahr in dem wir Kontakt aufnehmen“. „Ich arbeite oft mit schon vorhandenem Material“, kommentiert die Künstlerin ihr Vorgehen. „Ich greife dabei auf eine Alltagskultur zurück, die zur Mythenbildung beitrug und die mich geprägt hat.“ In der Fortsetzung von Kubricks legendärem Klassiker „2001: A Space Odyssey“, brechen Amerikaner und Russen – trotz der angespannten politischen Situation – gemeinsam in den Weltraum auf, um die Discovery und den Bordcomputer HAL zu reaktivieren und zu erforschen, welche Bedeutung dem Monolithen in der Umlaufbahn des Jupiter zukommt. In Kochs künstlerischer Adaption bleibt das Ende des Films offen und öffnet die Aussicht auf neue utopische Modelle.

Silke Koch fragt: „Was ist Wirklichkeit. Wie ist unsere Wirklichkeit konstruiert? Ich stelle meine kulturelle Identität immer wieder in Frage, die Überlieferung von Geschichte und überprüfe die meiner eigenen Geschichte.“ Dabei geht es ihr darum, dass Menschen sich auch neu erfinden, wenn sie als Einwanderer in ein anderes Land gehen oder sich mit einer neuen Umgebung und deren charakteristischen Realitäten konfrontiert sehen.

2005-2006 entstand ihre Arbeit „New Leipzig“, die Fotografien, ein Video, Texte und eine übermalte Landkarte umfasst. Die Galerie Funke zeigt die Serie der großformatigen Fotografien erstmals in Berlin. Zumeist in frontaler Ansicht sind auf ihnen die wichtigsten Gebäude und Architekturen der Ortschaft „New Leipzig“ in North Dakota zu sehen. Bei bewölktem Himmel ohne Schattenwurf im diffusen Tageslicht aufgenommen, kennzeichnet sie ein nüchterner, linearer Ausdruck, der ihnen die Erscheinung von Filmkulissen verleiht. Ein großer Teil der Bevölkerung von „New Leipzig“ kam als Russlanddeutsche in die USA. Die Hauptstadt des Bundesstaates wurde nach Otto von Bismarck benannt und neben „New Leipzig“, wo traditionell ein jährliches ‚Oktoberfest’ stattfindet, führt die Landkarte von North Dakota Städtenamen wie Berlin, Karlsruhe oder Munich auf. Silke Koch, die an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig im Fachbereich Fotografie studierte und 2003 bei Astrid Klein als Meisterschülerin abschloss, spielt in ihrer Arbeit „New Leipzig“ auch auf die Malerei der „Neuen Leipziger Schule“ an, deren Mythos um die Jahre 2005/2006 seinen Höhepunkt erlangt hatte.

Claudia Funke, Februar 2012

hinten = vorne heißt die zweite Einzelausstellung von Desiree Palmen in der Galerie Funke in Berlin. Die Galerie ist stolz, neue Fotografien, Zeichnungen, Objekte und eine Videoarbeit der in Rotterdam und Berlin lebenden niederländischen Künstlerin aus den Jahren 2009-2012 zu präsentieren.

Palmens Fotografie „Made in China (Portrait)“ von 2012 zeigt eine aufrecht stehende Person vor hellem Hintergrund. Sie trägt ein braunes Hemd und Jeans, die nicht richtig passen. Die Gliedmaßen sind verdreht und das Gesicht wirkt maskenhaft. Die Figur kennzeichnet eine puppenhafte Starre und verharrt auf der Schwelle zwischen Lebendigkeit und statischer Objektartigkeit. Es ist die Künstlerin selbst, die uns den Rücken zukehrt aber die Frontalansicht vortäuscht, während sie die Gesichtszüge des chinesischen Künstlers Liu Bolin nachahmt. Die Künstlerin versteht ihre Arbeit zugleich als Referenz und Abgrenzung zu Bolin. „Made in China“ gewährt einen Rückblick und eine Rekapitulation ihrer eigenen Entwicklung als Künstlerin und ist zugleich Indikator für eine Verschiebung der Tendenzen in ihrem Werk.

Seit 1995 spielt das Thema der Camouflage eine zentrale Rolle in den Arbeiten von Desiree Palmen, die an der Staatsakademie Maastricht Bildhauerei und Bildende Kunst an der Maastrichter Jan van Eyck Akademie studierte. Für ihre Performances, Fotografien und Videos fertigt sie Tarnanzüge an, die sich farblich und strukturell exakt an bestimmte Orte im öffentlichen Raum oder in Innenräumen anpassen. Ein Mensch in diesem Anzug, der sich an diesem bestimmten Platz aufhält oder fotografiert wird, verschwindet sozusagen hinter der Tarnung und unterscheidet sich kaum von seiner Umgebung. In diesem Fall bietet die Camouflage Schutz sowohl vor staatlicher Überwachung als auch generell vor dem Beobachtet-Werden.

In den aktuellen Arbeiten von Palmen geht die Figur keine räumliche Verschmelzung mit dem „Setting“, ein, sondern steht allein vor der leeren, nicht näher definierten Fläche. Stattdessen überlagern sich vor unseren Augen mehrere Schichten visueller Eindrücke; im Bild entsteht ein neues Bild, das vorgibt etwas zu sein, das es nicht ist. Diese Art von Mimikry, von Nachahmung und Täuschung schafft eine Verunsicherung darüber, was wirklich ist und was nicht.

Auf Palmens Fotografie „Genital Panik“, 2011, erblicken wir eine sitzende, dunkelhaarige, weiß gekleidete Person mit nach vorne geneigtem Lockenkopf. Beim ersten Hinsehen scheint der Schritt der Hose heraus getrennt, so dass der Blick auf die vermeintlich entblößten Oberschenkel, Genitalien oder aber auch das Gesäß fällt. Palmen spielt hier auf Valie Exports offene „Aktionshose“ an, die die österreichische Künstlerin bei der Performance und auf den Fotografien „Genitalpanik“ von 1969 trug. Nach eingehender Betrachtung offenbart sich, dass die als ausgespart wahrgenommene Partie in Desiree Palmens Werk die aufgemalte und somit nach vorne gekehrte Sitzfläche des Hockers ist, der sich real hinter dem fotografierten Model befindet: Objekt und Figur, Organisches und Anorganisches verbinden sich und bilden eine Einheit.

Für die ein Video, Fotografien und Objekte umfassende Serie „One Step Closer to Nature“, 2012, schuf Palmen – die bereits 1996 ihre eigenen Arbeiten zwischen Ausstellungsstücken der wissenschaftlichen Sammlung des Naturhistorischen Museums in Maastricht und des Museum Koenig in Bonn platzierte und sich mit Geologie und Biologie beschäftigt – mit Acrylfarbe bemalte Turnschuhe, die das Federkleid von Enten imitieren und so das aus dem Tierreich bekannte Prinzip der Mimikry als Tarnung und Selbstschutz direkt aufgreifen. Harmlos zahme Enten in der urbanen Kulturlandschaft symbolisieren den Wunsch des Städters nach der Nähe zur Natur unter sicheren Bedingungen.

Desiree Palmens Werke provozieren im Gegenteil Unsicherheiten. Inwieweit ist eine perfekte und effiziente Anpassung an die Umwelt möglich? Reflektiert das Prinzip der Tarnung den Wunsch, dass alles machbar ist? Mittels Adaption und Aneignung verfremdet die Künstlerin Bekanntes und Vertrautes. Die Pointe in ihren Arbeiten versteckt sich auf den ersten Blick und will entdeckt werden. Die Enden der Gleichung: hinten = vorne bleiben verschieden und verweisen auf ein Paradox: Als Lücke und offen legende Strategie erschöpft sie sich nicht in der Identität sondern eröffnet Perspektiven der Vielfalt und des Anders-Seins.

www.desireepalmen.nl

Claudia Funke, Januar 2013

Die Galerie Funke ist stolz, unter dem Titel Modern Life die erste Einzelausstellung mit Gemälden und Zeichnungen von Ágnes Lörincz in einer Berliner Galerie zu präsentieren.

Die 1959 in Rumänien geborene und in Berlin lebende Künstlerin, die bereits an zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland teilnahm, arbeitet in mehrfacher Hinsicht mit den Mitteln der Collage: Sie überträgt Versatzstücke aus der Bilderwelt der Medien und Werbung, aus Modezeitschriften, Musikmagazinen und Reklametafeln als Zitate in ihre Malerei. Diese gefundenen Motive kombiniert Lörincz mit der materiellen Präsenz von Dekostoffen, Tapetenmustern und Werbefahnen. Gemalte Figuration und abstrakte ornamentale Struktur vereinen sich in einem Bild. Satte, oft leuchtende Farben, die zeichnerische Linie, klare, schnell lesbare Gegenständlichkeit, Aussparungen, die den Bildgrund sichtbar werden lassen gehen eine Verbindung ein mit den Flächen der Stoffmuster, wobei sich Vorder- und Hintergrund, Gemaltes und Bedrucktes kaum voneinander unterscheiden lassen.

Die verführerische Welt des Glamour und die Verheißungen des Konsums, die allgegenwärtigen Versprechungen von Schönheit und Sinnlichkeit, Erfolg und Ruhm werden im Werk der Künstlerin gebrochen durch die Wahl der Ausschnitte und beständige Fragmentierung. Lörincz sampelt die Bildmotive und versetzt sie in einen neuen Kontext. Mit Humor und Leichtigkeit distanziert sie die Inhalte der ursprünglichen Bildaussagen, indem sie diese überzeichnet und als Klischees entlarvt. Im Zusammenspiel mit den ornamentalen Mustern, die altmodisch bieder oder grell an das Design der 1960er und 1970er Jahre erinnern, schafft sie eine aktuelle Visualität des Camp.

Die Verwendung von Punktrastern und Stoffmustern im Werk von Ágnes Lörincz, die Anspielungen auf Konsumgüter und Berühmtheiten – von Claudia Schiffer bis zu Gianna Nannini – kann als Reminiszenz an die Pop Art und Künstler wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein oder Sigmar Polke und Alex Katz gelesen werden. Lörincz verweist auf ihre Wertschätzung der Kunst von Henri Matisse und Picasso. Wesentlich ist ihr eine kraftvolle, pure Malerei, die mit minimalen Mitteln – wozu auch Leerstellen und Auslassungen zählen – größtmöglicher Schnelligkeit und Lockerheit stoffliche Beschaffenheit darzustellen vermag.

Die Gemälde und Zeichnungen von Lörincz fungieren als Bühne, auf denen die Requisiten und Insignien der Warenwelt neu arrangiert und verhandelt werden. Das Theater des „Modern Life“ wird re-inszeniert. Die Künstlerin erfasst ihre Figuren in Momenten der Bewegung. Allerdings bleibt der Zusammenhang, in dem sie agieren, in der Schwebe – denn es handelt sich um zeichenhafte Szenen und Posen. Lörincz, die künstlerisch ebenfalls im Genre des Films und der Fotografie arbeitet, überführt die Ästhetik des ‚gefrorenen’ Augenblicks eines Filmstils und der Fotografie in das Medium der Malerei.

www.agnes-loerincz.de

Claudia Funke, Februar 2013